El arte es una expresión cultural de gran valía, sin arte no habría huella humana, la esencia de la pintura o cualquier otra expresión cultural habría generado un gran ostracismo.
Los siglos han pasado y con ellos un legado que ha logrado ser acopiados por la arqueología, ejemplos claros como el arte en las cavernas con el hombre primitivo y luego una seguidilla de obras maestras que fueran dando fe del crecimiento mental y que con óleo plasmó los momentos más determinantes de cada uno de los imperios, verbigracia, Oriente, Antiguo Egipto, Grecia, la consolidación de propuestas como El Romanticismo y la llegada a Los Clásicos tanto en literatura como en otras formas culturales.
Como el buen vino, entre más vetusto más valor tiene, así pasa con las pinturas, a mayor distancia en las épocas y del artista su valor es incalculable.
Sin embargo, hay quienes se dieron a la tarea de sugerir en el precio del mercado, hay pinturas que pueden costar más que el oro o los mismos diamantes, porque genera una idea de lo que cuesta el arte, entregamos un análisis de valor, y muy seguramente, a los otrora pintores que en este siglo XXI como seres humanos de gran riqueza, no solamente el simple hecho de estar en el grandilocuente salón de la fama.
Los colores, la audacia, el impresionismo y escuelas como el cubismo fueron marcando un hito en la evolución de la pintura como gran manifestación de época, sentimientos, pasiones, tristezas y alegrías.
Hay que resaltar que independientemente de los destacados narradores de guerra, tragedia, enfermedades, entorno y convivencia, hubo grandes pintores que contaron con los trazos y pasión, su manera de ver escenas épicas, románticas, estrambóticas, lamentables momentos de estival, cosechas y la llegada al mundo industrial, todo ello en cada rincón de Europa y en los lugares más sugestivos dentro de espectaculares campiñas y aún en el gran hedor de Londres.
Se debe tener en cuenta que los cuadros eran encargos hechos por burgueses o nobles y su precio no era muy alto, de hecho, estos virtuosos del arte no gozaban de una economía estable, ni fueron pudientes, y su vida de artista era muy poco conocida, sin embargo, hoy en día estas piezas de arte tienen precios estrafalarios.
I – Salvator Mundi de Leonardo da Vinci
No se podía esperar algo diferente sobre esta pintura que ocupa el privilegiado lugar del primer puesto como la obra de arte más costosa, pintada por Leonardo Da Vinci, quien fue un polímata florentino de la época del renacimiento italiano, período que se extendió desde finales del siglo XIV hasta alrededor de 1600, constituyendo la transición entre el Medievo y la Europa moderna. La ciudad de Florencia, en Italia, fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este movimiento, que se desplegó después por toda Europa.
Salvator Mundi (Cristo como salvador del mundo), creada entre 1490 y 1500, mide 66 x 45 cm, técnica de pintura al óleo sobre nogal, la cual muestra a Cristo como rey y salvador del mundo; se representa de frente, sosteniendo una esfera transparente que simboliza la totalidad del cosmos. Con la otra mano, hace el gesto de la bendición latina.
En una subasta que se llevó a cabo en 2017 en Christie’s de Nueva York, donde el precio de 450 millones de dólares batió récord, y su comprador fue el príncipe de Arabía Saudita. En el siglo XX, en los años 50, aún sin conocerse su autor, esta pieza de arte fue vendida en una subasta en Londres por un valor irrisorio de 45 libras.
II – Interchange, Willem de Kooning
La obra del pintor holandés-estadounidense Willem de Kooning, también llamada Intercambiado, ocupa el segundo puesto, pintura al óleo expresionista abstracta sobre lienzo, mide 200,7 por 175,3 centímetros y se completó en 1955. Esta obra fue clave en su carrera, pasó de pintar mujeres a matizar paisajes urbanos abstractos. El cuadro muestra en su centro una masa carnosa de color rosa, que representa a una mujer sentada.
Fue vendida por más de 328 millones de dólares en otoño de 2015, y puesta a la venta por la fundación David Geffen y adquirida por el inversor Kenneth Griffin, quien la cedió al Instituto de Arte de Chicago.
III – Los jugadores de cartas de Paul Cézanne
Pintado entre 1892 y 1893, su tamaño es de 47.5 cm x 57 cm, Cézanne usó la técnica de óleo sobre lienzo y un estilo postimpresionismo, este óleo de Paul es uno de los cinco que el autor creó sobre el mismo tema, hombres sentados en una mesa jugando a las cartas. En su momento costó más de 288 millones de dólares, su venta fue privada y la adquirió la familia real de Qatar en 2011. En la actualidad se exhibe en el Museo d’Orsay de París.
Los jugadores de cartas (Les Joueurs de cartes, título francés original) es una serie de cinco cuadros sobre el tema de la partida de cartas, que realizó el pintor francés Paul Cézanne entre 1890 y 1895 (la comenzó estando en Suiza y la acabó en Aix-en-Provence).
Pertenece a la época de madurez (década de 1890) en la que Cézanne produce sus principales lienzos. Es un periodo en que Cézanne fue invitado a exponer con el grupo Les XX en Bruselas y, más tarde, celebró su primera exposición en París.
En las tres últimas versiones, todos los volúmenes están definidos de manera geométrica, lo que confiere a los dos personajes una dignidad clásica. En las primeras versiones hay tres jugadores contemplados por otros personajes, esta composición de cuadros queda reducida a dos campesinos que juegan a las cartas, con una botella de vino en medio, en la que se refleja la luz. El autor logra obtener en una escena de vida cotidiana.
Toda la tela está construida con tonos de los colores azul, amarillo y rojo. Hasta el más mínimo detalle logra con sus pinceladas, como el reflejo sobre la botella o el simple trazo que describe el ojo del jugador de la derecha. Pinta con la técnica del facetado, lo que es evidente en la cara del jugador de la izquierda. Éste lleva un sombrero de forma cilíndrica, lo que recuerda la afirmación de Cézanne de que, «Todo en la naturaleza está modelado según la esfera, el cilindro y el cono”.
IV – ¿Nafea faa Ipoipo? de Paul Gauguin
Es una de las pinturas más importantes de Gaughin, creado durante su primera estancia en Tahití, este colorido cuadro pintado en 1982 en la Polinesia, de estilo postimpresionista, la atención se centra en dos mujeres jóvenes nativas tahitianas, sentadas en el suelo con colores planos y vivos, el fondo es de diferentes planos de colores vivos e intensos que sugieren el paisaje luminoso tropical. Desde el verde oscuro de la hierba del primer plano, el prado dorado central y el azul lejano de las montañas. En dos planos diferentes, una de ellas vestida con un traje tradicional, mientras la otra, de expresión severa, lleva un vestido de misionero, en un paisaje azul, verde y dorado. Su título significa ¿Cuándo te casas?
Este óleo costó 229 millones de dólares y ha sido el más caro de Gaughin.
La modelo que posó para la chica en primer plano fue su compañera en Tahití, Tehe’amana. Las mujeres están en un claro al pie del monte Orohena.
La composición tiene una influencia de las estampas japonesas, que tanto gustaban en aquella época. A diferencia del retrato europeo donde prima la individualidad, Gauguin utiliza a menudo en Tahití la fórmula de los retratos duales que, además, suelen ser el motivo central del cuadro.
V – Serpientes acuáticas II, Gustav Klimt
Serpientes de agua II, también conocida como Wasserschlangen II es una pintura al óleo realizada por Gustav Klimt en 1907. Es la pintura de seguimiento de la pintura anterior Serpientes de agua I. Al igual que la primera pintura, Water Serpents II trata sobre la sensualidad de los cuerpos de las mujeres y las relaciones entre personas del mismo sexo. La pintura tiene una rica historia.
Durante la Segunda Guerra Mundial, los nazis lo robaron y, más recientemente, ha sido el centro de una controversia en torno a su venta récord en 2013.
La pintura es un óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son de 80 cm × 145 cm (31 pulgadas × 57 pulgadas). Esta pintura, elaborada en 1907 por el pintor austriaco Gustav Klimt, fue la última de una serie de cuadros en la que las ninfas acuáticas son las protagonistas. Más de 204 millones de dólares costó este óleo pintado en la primera década del siglo XX por Klimt.
El grupo de cuatro ninfas de agua plasman una felicidad lujuriosa, donde dos se ven en plena desnudez, los otros dos se pueden encontrar en la esquina superior derecha de la pieza, y solo se ven sus cabezas. Estas figuras míticas fueron muy comunes en el arte durante siglos. Pero también se ha interpretado como una representación de una orgía lésbica. Según esta interpretación, dado que las relaciones entre personas del mismo sexo no eran aceptables en ese momento, Klimt disfrazó a las mujeres como figuras míticas. Esta pintura, y sus temas lésbicos, se considera precursora de pinturas posteriores de Klimt , como Mujeres amigas (1917), que mostraba las relaciones lésbicas de manera más abierta.
VI – Number 17A, Jackson Pollock
El número 17A es una pintura expresionista abstracta de Jackson Pollock . Tiene una dimensión de 112 cm x 86.5 cm. Es propiedad del administrador de fondos de cobertura Kenneth C. Griffin , quien lo compró en septiembre de 2015 a David Geffen por 200 millones de dólares, precio récord en su momento, es pintura al óleo sobre tablero de fibra y es una pintura de goteo , creada al salpicar pintura sobre una superficie horizontal. La pieza apareció en la edición de agosto de 1949 de Life que convirtió a Jackson Pollock en una celebridad.
VII – Shot Sage blue Marilyn de Warhol
Shot Marilyns es una obra de arte producida en 1964 por Andy Warhol. Consta de cuatro telas, cada una de ellas con un cuadrado de 40 pulgadas y con una pintura de Marilyn Monroe. A su vez, estos recuadros fueron atravesados en la frente por el disparo de una única bala.
Warhol de hecho pintó cinco Marilyns coloridas en 1964 con diferentes colores de fondo, rojo, naranja, ligero azul, la salvia azul, y turquesa.
Dorothy Podber, en una ocasión, en 1964, visitó The Factory , el estudio de Andy Warhol , y disparó a través de una pila de pinturas serigrafiadas de Marilyn Monroe , después de lo cual fue expulsada del estudio. Estos cuatro cuadros se llamaron a partir de entonces The Shot Marilyns , y dos se encuentran entre las pinturas más caras jamás vendidas.
195 millones de dólares se pagaron por este cuadro de Andy Warhol. Es una de las series más conocidas del artista, sacó la foto de un cartel promocional de Niágara. Es la obra de arte del siglo XX y la de un artista estadounidense más caro de la historia.
VIII – (Violeta, Verde y Rojo) De Mark Rothko
Esta obra del pintor letón alcanzó los 186 millones de dólares en una subasta privada, aunque la cifra nunca ha sido del todo clara. Fue comprada por el multimillonario ruso Dmitry Rybolovlev en 2014 y fue una de las desencadenantes del asunto Bouvier, un polémico asunto legal contra el marchante de arte Yves Bouvier.
El expresionismo y la abstracción se visualizan, esta vez de la mano del pintor letón-estadounidense Mark Rothko. Creada en 1951, No. 6 (Violet, Green and Red) puede presumir de ser una de las obras más caras vendidas en una subasta.
IX – Marten Soolmans y Oopjen Coppit, Rembrandt
Pintados por Rembrandt en 1634. Fueron creados para conmemorar la boda de la pareja y siempre se han mostrado como un conjunto.
El retrato de boda Marten Soolmans y Oopjen Coppit, formado por dos piezas independientes, fue adquirido por el Louvre (París) y el Rijksmuseum (Ámsterdam) por 180 millones de dólares que se turnan para exhibirlas.
Rembrandt fue uno de los máximos exponentes del Siglo de oro neerlandés, dejando un vasto legado de retratos entre los que figuran artesanos, eruditos, hombres de negocios de éxito y matrimonios.
Los retratos de boda de Marten Soolmans y Oopjen Coppit son los retratos de mayor tamaño pintados por el pintor holandés Rembrandt van Rijn. Cada uno mide 207,5 × 132 cm y datan de 1634. Los retratos de cuerpo entero son pendant (pareja) uno del otro.
IX – Les femmes d’Alger (versión o) de Pablo Picasso
El español Pablo Picasso pintó Les Femmes d’Alger (inglés: Mujeres de Argel), una serie de 15 pinturas y numerosos dibujos en 1955. La pintura fue vendida en 179,3 millones de dólares en una subasta de Christie’s en mayo de 2015 y, aunque el comprador nunca ha sido identificado, podría haber sido un antiguo primer ministro de Catar.
La serie, se inspiró en la pintura de 1834 de Eugène Delacroix Las mujeres de Argel en su apartamento ( en francés : Femmes d’Alger dans leur appartement ). La serie es una de varias pintadas por Picasso en homenaje a los artistas que admiraba.
Victor y Sally Ganz compraron la serie completa de Les Femmes d’Alger a la Galerie Louise Leiris de París por 212.500 dólares en junio de 1956 (equivalente a 2,1 millones de dólares en 2021).
Muchas de las pinturas individuales de la serie se encuentran ahora en destacadas colecciones públicas y privadas.
X – El Portaestandarte de Rembrandt Van Rijn
175 millones costó este cuadro de Rembrandt que compró el Rijksmuseum con la ayuda del estado holandés. Creado en el año 1636, su tamaño es de 119 x 97 cm, la técnica usada, óleo sobre lienzo. Fue pintado con motivo del traslado del artista de Leiden a Amsterdam y se considera una de sus obras tempranas más importantes.